París – «Estoy enojado con todo en el mundo, especialmente conmigo mismo», dijo la diseñadora Rei Kawakubo en un comunicado emitido después de su desfile de Comme des Garçons el sábado por la tarde. La ira no siempre es algo malo. Tiene energía, y energía es lo que falta en el mundo de la moda actual, donde una vez más abunda el marketing atractivo y la verdadera creatividad es rara.
Demna siguió esta salida experta de Balenciaga llamando a la creatividad el nuevo lujo en un mensaje de audio. La colección explora un territorio nuevo, más ligero y más estilizado, dando forma a formas empáticas en Vetements. Fue un paso adelante (y la colección de videos fue un punto culminante), pero ¿fue lo suficientemente innovador como para resolver la fatiga del consumidor?
Hablando de innovación, ¿la incursión de Saint Laurent en las medias es un acto de innovación o una broma? Probablemente fue un poco de ambas cosas, con una enorme deuda con Bianca Sensori diseñada por Kanye West. Como mensaje de marketing, funcionó, aunque tuvo poco efecto en el piso de ventas. Pero así es como funciona actualmente la pasarela en la mayoría de las grandes marcas.
Las marcas más pequeñas como Vaquera y Ottolinger se arriesgan a vender lo que ofrecen en las ferias. Ambos estaban en su apogeo esta temporada, uno profundizando en tropos de riqueza y el otro vistiendo trajes y armaduras de jefe. En particular, la brutal sastrería de Ottolinger parecía difícil pero llena de energía. En Noir, Kei Ninomiya presentó suelos potentes, coloridos y divertidos para una de sus mejores colecciones: él personalmente mostró una silueta muy cómoda de zapatos sucios y vestidos de muñeca con volantes con una deliciosa sencillez.
La temperatura era ciertamente alta y la energía se disparaba en Chloé, donde Chemena Kamali hizo retroceder el reloj veinte años, personificando los días felices de boho chic de la casa, con Sienna Miller sentada en primera fila. Fue un debut seguro que recuperó el lugar que una vez había sido un templo para la feminidad cálida, despreocupada y seductora de Chelly, limpiando los recuerdos más fríos del pasado. Y, sin embargo, tal vez fuera demasiado nostálgico, demasiada copia. De cara al futuro, sería interesante ver más Kamali y menos código de producción.
Con Chloe, al menos la ejecución fue perfecta. No se puede decir lo mismo de la otra primera entrada de la semana. El nuevo diseñador de Alexander McQueen, Séan McGirr, ha dejado a uno rascándose la cabeza. McGuire tiene la misión de recuperar al McQueen más conflictivo y valiente del fundador Lee, pero los resultados son un poco confusos y vacíos. Además, el exjefe de McGirr, Jonathan Anderson, tuvo muchas muescas en su trabajo. Por supuesto, McGuire, quien asumió el cargo de McQueen en diciembre, no tuvo mucho tiempo para poner los pies debajo de la mesa.
Volver a las raíces fue un tema común esta temporada: una manera de tranquilizar a los clientes en tiempos difíciles, pero también una manera para que los diseñadores y las casas reevalúen sus códigos y muestren un fuerte sentido de identidad. En ninguna parte esto fue más evidente que en la colección de Isabel Marant de cuero apagado, minifaldas, tachuelas, volúmenes acolchados y muchas referencias a los años 80. Era puro Marant, con mucho descaro.
En Chanel, Virginie Viard hizo de Deauville, con sombreros de paja de gran tamaño y flexibles, uno de los desfiles más integrados, si no progresistas, que jamás haya visto. Stella McCartney vuelve a la sastrería con destellos de su debut, con volúmenes frescos y delicados. No hubo pérdida de terreno, pero el producto tiene muy buena pinta.
Rick Owens también volvió a sus raíces. Una escena teatral minimalista (más o menos el maquillaje galo y los brebajes de tubo al final) era una lujosa fluidez de tonos neutros y gráficos y formas esenciales que evocaban los orígenes del «glunge» (como el glamour y el grunge). Nombra mejor la melancolía con una pequeña pista.
Es similar pero diferente a cargo de Yohaji Yamamoto, cuya exploración de Nth Black a través de la construcción prismática y la poesía textil es tan emocionante como siempre. En Dior, Maria Grazia Chiuri irradiaba una sensación juvenil con formas estilizadas y vestidos sencillos, pero el mensaje se transmitía a través de muchas piezas con fuertes grafitis «Miss Dior».
En Hermès Nadge Vanhe logró aportar un alto nivel de sensualidad al proceso. Lo hizo combinando referencias a la equitación con guiños audaces al motociclismo, y lo logró. Para la segunda salida de Ann Demeulemeester, Stefano Galisi evitó repetir el código de la marca, explorando nuevos y apasionantes territorios. Si el espectáculo estuvo cargado de tristeza, fue más por las imágenes y el reparto que por el diseño. Dejar que entre y salga algo de luz de la caja negra puede hacer más evidente la intrincada belleza de las piezas. Victoria Beckham ha dejado atrás los vestidos diminutos (y la sastrería inmaculada) y ha abrazado una nueva sensibilidad que es definitivamente un signo de madurez. Tan idealistas que las escapadas de la deuda de Margiela parecen un poco fuera de lugar.
En ningún lugar los teatros eran más ruidosos que en el Muggle, donde la presentación etapa por etapa del espectáculo, etapa por etapa, del escenario hizo que uno casi se olvidara de los vestidos que estaban tan cerca del vestuario, pero sigue siendo poderoso. Lo que el diseñador Casey Cadwallader ha logrado en Mugler es notable: ha devuelto un extravagante sentido de diversión a la marca, y funciona.
El impresionante escenario y la banda sonora de Courrèges fueron impactantes y emotivos, perfectos para un escenario que logró combinar a la perfección arquitectura y sensualidad, y algunos hermosos giros, velos y piezas reveladoras fueron altamente sexuales sin clichés. Usar ropa lujuriosa. Obtienes los bolsillos estratégicamente ubicados que evocan la masturbación, pero había más: la forma en que Nicolas de Felice carga su trabajo con la energía cruda del deseo es única, casi conmovedora, lo que lo convierte en uno de los más disfrutables. Y, sin embargo, los forasteros sin educación que trabajan hoy en París.
El arreglo fue un poco confuso en Raban, con el talentoso Julien Dossena interpretando esto y aquello con una improvisación pegadiza pero desordenada (tal vez sea hora de que Dossena extienda sus alas y vuele a otra parte). La confusión reinaba en el blanco roto, donde lo bueno de la colección IB Kamara (especialmente la explosión gráfica) había desaparecido.
Por otro lado, las cosas estaban casi demasiado enfocadas, con el magnífico, aunque ligeramente austero, uso del negro por parte de Valentino como creador de imágenes y potenciador de texturas, y la sorprendente transición de la fila a formas de alta costura y la tranquilidad del sábado por la mañana con un toque exótico.
En otra parte, Dries Van Noten realiza un viaje idiosincrásico y deslumbrante hacia hermosos colores ácidos y brillantes y formas amarillas, que no combinan con el brillo y el clasicismo, de día y de noche. Marine Serre ha ofrecido una vida trepidante en el mercado con sus característicos estampados de media luna. El equipo de Ginchi Studio ha brindado una versión impecable de la belleza de lo cool. Shiaparelli encuentra un nuevo sentido del rigor camp. Giambattista Valli rindió un homenaje a Lee Radziwill. Kuira ha realizado un trabajo de sastrería expresivo pero limpio. Y Carven de Louise Trotter ofrece una versión sutil del estilo femenino. La carrera claramente le debe a Phoebe Philo y The Row, pero la duración de la marca Trotter es mucho más larga.
Al celebrar su décimo aniversario en Louis Vuitton, Nicolas Ghesquière se dedicó en gran medida a viajar en el tiempo, a retroceder: llegó incluso a recrear el apogeo del grunge de Marc Jacobs. Como de costumbre, la salida estuvo llena de espectáculo y acción, pero todo fue tan sutil que parecía un enésimo ejercicio virtuoso con poco significado más allá de la pasarela. Cuando Ghesquière comenzó en Vuitton en 2014, aportó a su trabajo un pragmatismo inspirado que se había perdido en el camino.
Deje que Jonathan Anderson mezcle el collage y encuentre la pureza para la verdadera moda en Lowe’s. Por supuesto, el trabajo de la casa en esta época sigue un plan determinado, no exactamente una fórmula, pero siempre lo hace de una manera que expande la mente. La exploración de la clase de esta temporada fue divertida, optimista y aguda, nunca literal pero comprensible al instante, con un nivel de rendimiento que parecía de alta costura. También en su presentación colegiada estuvo el maravilloso Jun Takahashi, quien en Undercover utilizó la teatralidad -muy conmovedora pero a veces exagerada- pero hizo de su poesía, a su manera, un examen del pensamiento cotidiano. No era banal: era una invitación a formas abiertas, cortadas y versátiles.
¿A alguien le importa la «positividad corporal»? Hay pocas, pero sólo Ester Manas que sigue inspirando todas las formas femeninas con hermosos looks que favorecen la personalidad sin importar el tamaño. La obra de Esther Manas y Balthazar Delpierre no es un truco, y la autenticidad que fluye la hace única.
Duran Lantink tiene talento de escultor para realzar, doblar y esculpir curvas y rápidamente se está estableciendo como un autor más allá de la ropa que queda bien en las fotografías. De manera similar, el esfuerzo colaborativo de Zomer, Imruh Asha y Daniel Aytuganov fue para el conjunto de Artie (muy pequeño Loewe), que se sintió fresco y ligero en lugar de pretencioso gracias a un enfoque lúdico de jardín de infantes. La armadura de Sakai era bonita y un poco marcial, y actuaba como protección tanto física como psicológica, mientras que el viaje de Junya Watanabe se volvió sorprendentemente sutil. Tanto de Uma Wang como de Niccolò Pasqualetti (otro recién llegado a seguir de cerca), fue una especie de poema totémico sobre la distancia entre el cuerpo y la ropa, un elemento de diseño pulido por el ojo preciso del estilista Samuel Drira.
Los talentos creativos bienvenidos vinieron de Issei Miyake y Miu Miu en particular. Satoshi Kondo, demostrando que es el heredero deseado por Issei-san, es libre de seguir adelante respetando al mismo tiempo el método Miyak. Reflexionando sobre la idea fundacional de la marca de «una tela», Kondo explora lo primario y decididamente extremo que se encuentra en el fondo del acto de envolver. El traje quedó reducido a un estado crudo y transformado en una superpotencia.
Mientras tanto, en Miu Miu, Miuccia Prada se mostraba más astuta y burguesa, comentando clásicos que tenían tanto que ver con el estilo como con la libertad de ser lo que quisiera. Se centró en la edad y el envejecimiento, proporcionando un recordatorio inspirador del poder psicológico de la ropa que todo el mundo necesita.
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